venusoxidada

She makes me wanna die(óleo sobre tela-80x120)
Viagem a Barcelona(óleo sobre tela-120x80)
Una cierta noche en Madrid(óleo sobre tela-120x80)
Lost in Lisbon(óleo sobre tela-120x80)
Transistor(óleo sobre tela-130x70)

Bilhete só de ida(óleo sobre tela-120x80)
M.e(óleo e colagem sobre tela-140x70)
Voodoo dolly(óleo sobre tela-184x73)
An end as a start(óleo sobre tela-140x70)
Every day is like sunday(óleo sobre tela-140x70)

The blue lingerie on my fiat(óleo sobre tela-100x100)
Satellite of love(óleo sobre tela-120x80)
Atrocity exhibition(óleo sobre tela-120x80)
Life on Mars?(´0leo sobre tela-92x73)
Nevoeiro(acrílico e colagem sobre tela-120x80)

Links:
http://venusoxidada.blogspot.com/

http://centralelectrica.blogspot.com/
e-mail:oxidvenus@gmail.com

Amadeo de Souza-Cardoso

2008-06-19T01:09:00.003+01:00

Amadeo Souza-Cardoso nasceu em Amarante, em Novembro de 1887. Teve uma vida curta, morreu em 1918 vítima de pneumonia. Foi um pintor precursor da arte moderna que faleceu antes de ver reconhecido o seu trabalho, ou seja, seguiu o mesmo caminho dos vanguardistas do seu tempo, onde paira a incompreensão e a não aceitação a tudo o que é inovador e que desafia as convenções vigentes. Oriundo de uma família rica ingressou num curso de Direito na Universidade de Coimbra. Contudo, rapidamente desistiu e iniciou o curso de Arquitectura na Academia de Belas Artes de Lisboa. Todavia, ainda não é este curso que o satisfaz por completo Amadeu, o que originou a sua mudança para Paris, com o intuito de prosseguir os seus estudos. É porém, nesta cidade que Amadeo deu a conhecer primeiro os seus desenhos e caricaturas e posteriormente a sua pintura. E conheceu Modigliani, Brancusi, Juan Gris, Max Jacob, Sónia e Robert Delaunay, entre outros. As suas obras sofreram múltiplas influências: impressionistas, cubistas, expressionista e futurista. Contudo, é de realçar que sempre rejeitou rotular a sua obra. Em 1913 participou na famosa exposição “Armory Show” em Nova Iorque e também expôs na “Galeria Der Sturm de Berlim”. Posteriormente voltou a Lisboa em 1915 e 1916 expôs em Lisboa e Porto o que originou um enorme escândalo. Em 1925 foi realizado em França uma retrospectiva do artista, contendo cerca de 150 trabalhos que foram bem aceites pelo público de então e pela crítica. Em Portugal, em 1935 foi criado um prémio cujo objectivo estava relacionado com a distinção de pintores modernistas, “Prémio Souza- Cardoso”.

Texto:Anabela Ribeiro

Maria Helena Vieira da Silva-100 anos

2008-06-14T19:56:00.006+01:00

Maria Helena VIEIRA DA SILVA (1908-1992), pintora de origem portuguesa, nasceu em Lisboa, no seio de uma família que cedo estimulou o seu interesse pela pintura, pela leitura e pela música. Em 1928 vai para Paris onde estuda escultura, optando definitivamente pela pintura em 1929. Em 1930 casa-se com o pintor húngaro, Arpad Szenes. Pintora de temas essencialmente urbanos, a sua pintura revela, desde muito cedo, uma preocupação com o espaço e a profundidade. Vive no Brasil de 1940 a 1947. A sua pintura desse período reflecte a angústia da guerra. Depois do seu regresso a Paris, na década de 50, participa em inúmeras exposições em França e no estrangeiro. Em 1956 obtém a nacionalidade francesa. O estado francês adquire obras suas a partir de 1948 e em 1960 atribui-lhe a primeira de várias condecorações. A partir de 1958, organizam-se retrospectivas da sua obra e são-lhe concedidos importantes prémios internacionais. Em Portugal, a Fundação Calouste Gulbenkian apresenta a sua obra em 1970, 1977 e 1988. Em 1983, o Metropolitano de Lisboa propõe-lhe a decoração da estação da Cidade Universitária; a obra Le métro (1940) é reproduzida em azulejos com a colaboração do pintor Manuel Cargaleiro. Em 1994, é lançado o Catálogo Raisonné da sua obra. Pintora da Segunda Escola de Paris, Vieira da Silva teve um importante papel no panorama da arte internacional.

Texto: Fundação Arpad Szenes

Link:Fundação Arpad Szenes - Vieira da Silva

Fernando Pessoa-120 anos

2008-06-13T18:59:00.005+01:00

Álvaro de Campos
Lisbon Revisited
(l923)

NÃO: Não quero nada.

Já disse que não quero nada.
Não me venham com conclusões!

A única conclusão é morrer.
Não me tragam estéticas!

Não me falem em moral!
Tirem-me daqui a metafísica!

Não me apregoem sistemas completos, não me enfileirem conquistas

Das ciências (das ciências, Deus meu, das ciências!) —

Das ciências, das artes, da civilização moderna!
Que mal fiz eu aos deuses todos?
Se têm a verdade, guardem-na!
Sou um técnico, mas tenho técnica só dentro da técnica.

Fora disso sou doido, com todo o direito a sê-lo.

Com todo o direito a sê-lo, ouviram?
Não me macem, por amor de Deus!
Queriam-me casado, fútil, quotidiano e tributável?

Queriam-me o contrário disto, o contrário de qualquer coisa?

Se eu fosse outra pessoa, fazia-lhes, a todos, a vontade.

Assim, como sou, tenham paciência!

Vão para o diabo sem mim,

Ou deixem-me ir sozinho para o diabo!

Para que havemos de ir juntos?
Não me peguem no braço!

Não gosto que me peguem no braço. Quero ser sozinho.

Já disse que sou sozinho! Ah, que maçada quererem que eu seja da companhia!
Ó céu azul — o mesmo da minha infância —

Eterna verdade vazia e perfeita!

Ó macio Tejo ancestral e mudo,

Pequena verdade onde o céu se reflete!

Ó mágoa revisitada, Lisboa de outrora de hoje!

Nada me dais, nada me tirais, nada sois que eu me sinta.
Deixem-me em paz! Não tardo, que eu nunca tardo...

E enquanto tarda o Abismo e o Silêncio quero estar sozinho!

QUINTO / NEVOEIRO
Nem rei nem lei, nem paz nem guerra,

Define com perfil e ser

Este fulgor baço da terra Que é Portugal a entristecer —

Brilho sem luz e sem arder,

Como o que o fogo-fátuo encerra.
Ninguém sabe que coisa quer.

Ninguém conhece que alma tem,

Nem o que é mal nem o que é bem.

(Que ânsia distante perto chora?)

Tudo é incerto e derradeiro.

Tudo é disperso, nada é inteiro.

Ó Portugal, hoje és nevoeiro...
É a Hora!

Valete, Frates.
Fim
de "Mensagem"

Links:

Jornal de Poesia - Fernando Pessoa (Obra Completa)

Fernando Pessoa - Biografia, Poemas e Fotografias

Roberto Borges

2008-06-03T00:55:00.003+01:00

Franz Ackermann

2008-06-03T00:40:00.003+01:00

Links:

Franz Ackermann - Paintings - The Saatchi Gallery

Gavin Brown's enterprise-

Merlin Carpenter

2008-06-03T00:21:00.005+01:00

Link:Merlin Carpenter, artist and painter, London-

Elizabeth Peyton

2008-06-03T00:10:00.002+01:00

Link: http://www.gavinbrown.biz/artists/view/elizabeth-peyton

Victor Vasarely

2008-06-02T23:45:00.007+01:00

Victor Vasarély (1906-1997)
Pintor e escultor húngaro de origem francesa, considerado o "pai da OP ART", nasceu em Pécs na Hungria. Estudou em Budapeste e depois foi para Paris, onde trabalhou como gráfico em várias empresas de publicidade.
Entre 1946 e 1948, depois de um período de expressão figurativa, decidiu optar por uma arte construtivista e geométrica abstrata.
Experimentou o uso de transparências e cores em projecções, produziu tapeçarias e publicou suas primeiras gravuras. Seus quadros combinam variações de círculos, quadrados e triângulos, por vezes com gradações de cores puras, para criar imagens abstratas e ondulantes. Viajou por muitos países, sempre recebendo vários prémios. Morreu em Paris com 91 anos.

Roberto Borges

2008-05-18T16:34:00.006+01:00

She makes me wanna die(óleo sobre tela-80x120)
Voodoo dolly(óleo sobre tela-184x73)

M.e(óleo e colagem sobre tela-140x70)
Bilhete só de ida(óleo sobre tela-120x80)
Atrocity exhibition(óleo sobre tela-120x80)

Transistor(óleo sobre tela-130x70)
An end as a start(óleo sobre tela-140x70)
Viagem a Barcelona(óleo sobre tela-120x80)
Everyday is like sunday(óleo sobre tela-140x70)
Nevoeiro(acrílico e colagem sobre tela-120x80)

life on Mars?(óleo sobre tela-92x73)
The blue lingerie on my fiat8óleo sobre tela-100x100)
Una cierta noche en Madrid(óleo sobre tela-120x80)
Lost in Lisbon(óleo sobre tela-120x80)
Satllite of love(óleo sobre tela-100x80)

Amedeo Modigliani

2008-05-18T15:24:00.011+01:00

O pintor e escultor Amadeo Modigliani nasceu em 1884 em Itália, em Livorno. Iniciou a sua formação em arte na sua terra natal. Contudo, os seus estudos foram prosseguidos em Florença e posteriormente em Viena. Todavia, é em Paris que ele se mantém a partir de 1906. Na capital francesa ele viveu uma vida boémia tornando-se viciado em drogas e álcool. Proveniente de uma família pobre judaica, na sua infância foi incentivado pela sua Mãe a frequentar museus de arte.
Experienciou uma vida pobre juntamente com outros companheiros de arte.
Em 1917 conhece Jeanne Hébuterne, esta tornou-se a sua modelo e companheira, da qual teve uma filha em 1918.
Sofreu desde criança de uma doença crónica, de Tifo, que o obrigou a realizar inúmeras viagens para o seu tratamento, porém este facto proporcionou-lhe um intercâmbio cultural.
Uma das suas obras mais importantes foi "O violoncelista", que expôs no Salão dos Independentes de 1909.
Os temas Escolhidos por Modigliani foram os retratos e os nus femininos com modelos que, segundo o pintor, expressavam "a muda aceitação da vida". As suas esculturas foram influenciadas pela arte africana e Cambojana.
É em 1917, por intermédio do poeta polaco Leopold Zbowki, consegue uma exposição individual na galeria Weil, porém teve uma duração curta devido ao impacto escandaloso provocado pelos seus nus. A sua pintura é fruto de um estilo próprio e autónomo. Retrata nas suas figuras sensualidade que é não só transmitida pela nudez mas pelo alongamento dos traços.
Modigliani morreu em 1920, no dia após à sua morte a sua esposa grávida de nove meses suicidou-se, atirando-se do quinto andar. Modigliani é considerado um dos artistas plásticas mais importantes do século XX.

Texto:Anabela Ribeiro

Lucio Fontana

2008-05-18T14:56:00.007+01:00

Lucio Fontana ( 1899 - 1968 )Italia( Biografia )
Pintor, escultor e teórico italiano de naturalidade argentina, Fontana mudou-se para Milão com a sua família em 1905। Em 1922 regressou a Buenos Aires, onde estabeleceu o seu próprio atelier de escultura em 1924. Entre 1928 e 1930, estudou na Accademia di Brera. Alguns anos mais tarde abandonou as suas ligações ao grupo Novecento e em 1934 tornou-se membro do grupo Abstraction-Création, passando a fazer parte das exposições do grupo Corrente. Em 1937 revelou a sua simpatia para com as correntes neo-expressionistas que surgiam nas maiores cidades de Itália como reacção ao grupo Novecento. Durante a II Guerra Mundial, Fontana regressou à Argentina onde fundou a Academia Altamira com os artistas Jorge Romero Brest e Jorge Larco. Em finais dos anos 40, princípio de 50 optou decisivamente pela abstracção, com as suas telas monocromáticas fendidas e perfuradas. Regressou a Itália em 1948, e um dos seus áltimos trabalhos é uma série de Teatrini (pequenos teatros). Foi-lhe ainda atribuído o Grande Prémio para Pintura na Bienal de Veneza de 1966 e teve a sua primeira grande retrospectiva no Walker Art Center, em Minneapolis.

Texto:Museu Colecção Berardo

Links:

The Berardo Collection

Works for Lucio Fontana

Cindy Sherman

2008-05-14T00:49:00.010+01:00

Fotógrafa e realizadora norte-americana, Cindy Sherman nasceu em 1954, em New Jersey, nos Estados Unidos da América. Começou a estudar pintura num colégio universitário em Nova Iorque, onde se tornou conhecida por sair à rua vestida como Lucille Ball, como forma de escape para os seus momentos de depressão. A maioria das suas pinturas eram auto-retratos e reproduções de fotografias que retirava de revistas. É através da sua professora de fotografia que Sherman contacta pela primeira vez com a arte conceptual, que viria a marcá-la profundamente. Começa a fotografar em 1977, produzindo uma série de imagens a preto e branco intituladas "Untitled Film Still". Tentando fugir à estética da fotografia tradicional, o seu trabalho é comparável ao de alguns artistas famosos como Barbara Kruger, Richard Prince e Jenny Holze. Cindy Sherman fotografava-se incorporando vários estereótipos femininos, inspirada por filmes da série B dos anos 50. Foi nesta época que começou a fotografar a cores, produzindo imagens de grande dimensão concentrando-se na iluminação e na expressão facial. Ao longo dos anos, o seu estilo sofre alterações. Em meados dos anos 80, o seu trabalho era composto por auto-retratos em cenários cuidadosamente preparados. Eram fotografias onde tentava criar diferentes identidades, recorrendo a diversas máscaras, roupas e até partes de corpos de manequins. Mais tarde, os seus trabalhos começaram a assumir características violentas e mórbidas, inspirados em filmes de terror. A destruição e a decomposição passam a ser a sua imagem de marca. Ao longo dos anos 80 e 90, trabalhou em campanhas publicitárias para designers de moda como Jean Paul Gaultier e Rei Kawakubo da Comme des Garçons, o que lhe permitiu dar a conhecer o seu trabalho internacionalmente.Os trabalhos de Cindy Sherman encontram-se em exibição em vários museus de todo o Mundo e recentemente foi lhe atribuída uma bolsa pela MacArthur Foundation. O seu primeiro filme, "Office Killer", data de 1997.

Artigo:Cindy Sherman। In Infopédia [Em linha]. Porto: Porto Editora, 2003-2008. [Consult. 2008-05-14].Disponível na www: .
Links:

www.cindysherman.com/
Metro Pictures Cindy Sherman Slide Show

Luis Royo

2008-03-09T15:06:00.022Z

Luís Royo nasceu em 1954 em Cutanda,Teruel e é o ilustrador mais conhecido em todo o mundo.Estudou desenho técnico,pintura,decoração na Escuela de Mestria e Industrial e na Escuela de Artes Aplicadas de Zaragoza.Depois de ter trabalhado como pintor,desenhador e desenho de “comics”,a partir de 1983 deicou-se à ilustração iniciando finalmente a sua carreira como artista.
Luís Royo é verdadeiramente um talento reconhecido a nível mundial.
A suberba mescla de ficção científica/fantasia,visões eróticas,e estilo realista,a sua composição é estudada e exacta,enquanto parece capturar sem esforço momentos emocionalmente perfeitos de algumas das mulheres mais belas do planeta.
Texto:Roberto Borges
Consultas:Edições da Norma Editorial

«Luís Royo,com paciência de Alquimista,constrói imagens que suscitam em essa reacção de intranquilidade preplexa.Não me serve de nada tentar descodificar a mensagem,tentar encontrar os comos e porquês.No final essa vertigem incontrolável impõe-se à razão e à teoria.
Luís peverte deliberadamente o que pinta.Haverá quem não se dê conta e veja as suas imagens apenas como uma mulher sobre um fundo fantástico.Mas Luís executa com mestria malévola uma modalidade clássica da Pintura:a paisagem com figura e manipula como tema o eterno mito da Bela e o Monstro,oferecendo-nos frias e distantes beldades com olhares de indiferença felina e incongruentemente atraentes no meio de cenários lúgrubes.Elas são o contraponto das suas composições sucintas»
Miguelanxo Prado

Link:Luis Royo-

Francis Bacon

2008-02-26T00:39:00.003Z

Francis Bacon nasceu em 28 de Outubro de 1909 em Dublin, morreu em 28 de Abril de 1992, em Madrid.
Filho de pais ingleses, o seu pai foi um veterano da Guerra dos Boêres, Eddy Bacon, que posteriormente se tornou num treinador de corrida de cavalos, a sua mãe foi herdeira de um negócio de aço e de uma mina de carvão.
Francis foi cuidado por uma enfermeira, Jessie Lighfoot, pois foi uma criança asmática e com alergias a cães e a cavalos, no decurso das suas crises era obrigado a tomar morfina. Todavia, o seu pai, uma pessoa severa, rude e violenta, perante esta situação tinha por hábito chicotear Bacon que era para o “fazer homem”. Esta ocorrência gerou nele um comportamento de oposição a seu pai. A sua infância difícil influenciou e inspirou as suas obras.
Foi um pintor Irlandês de pintura Figurativa. A sua obra espelha audácia e austeridade. Pintor autodidacta, nunca recebeu educação formal, os seus primeiros trabalhos reflectem influência de Picasso.
Bacon foi viver para Londres, aí foi decorador de interiores sem deixar de lado a pintura.
Em 1933, a sua “crucificação” ilustrou o livro de Herbert Read Art Now. Em 1945, Bacon realizou a sua primeira exposição individual na “Lefevre Gallery”, onde as suas obras expunham imagens com tons sanguíneos. Todavia, a população da época não aceitou de bom agrado as suas obras, não houve admiração mas sim recusa. Período em que tinha ocorrido a 2ª guerra mundial, as pessoas queriam ver e ouvir falar de paz e já estavam fartos das calamidades da guerra.
Muitas das suas obras foram realizadas através de fotografias rasgadas e amarrotadas, de animais selvagens, de combates de boxe e de futebolistas. É crucial referir, que nos anos 50, o retrato de Inocêncio X de Velásquez, produzida a partir da obra de Diego Velaquez, influenciou várias telas do pintor, inspiradas em William Blake e na pintura de Van Gogh. Bacon traçou nestas obras uma visão mais “modernista” do mundo.As obras de Bacon expõem temas que chocaram as pessoas, temas que eram tabu, nomeadamente as fantasias masoquistas, a pedofilia, o desmembramento de corpos, a violência masculina, o sangue, a urina, o esperma, o sexo, a solidão, a dor e a expressão animal.

Texto:Anabela Ribeiro

Egon Schiele

2008-02-17T17:01:00.009Z

Egon Shiele nasceu a 22 de Junho de 1890 em Tullin,uma pequena aldeia situada nas margens do Daúbio,a 40Km de Viena.O seu pai era o chefe da estação e era ali mesmo que vivia a família.O jovem Schiele cresceu num meio típico de funcionários de província.Ainda criança passava horas a desenhar e não era feliz senão diante de uma folha de papel e lápis de cor.Mesmo na escola,fosse em Tullin,no colégio ou no liceu de Klosterneuburg,nada mais despertava o seu interesse.
Nunca em torno de nenhum outro artista do seu tempo se criaram tantos mitos como aconteceu com Egon Schiele.Biografos e historiadores de arte evocam uma vida neurótica e profundamente trágica।Vêem nele um psicopata,um obscecado sexual,um fogoso revolucionário ou,no mínimo,um agitado.Uma biografia obtém tanto mais sucesso quanto apresente o protagonista envolto num enredo em que abunde o escândalo e a complexidade,pois mesmo que o essencial de uma personalidade não resida na infracção e na transgressão das regras,existe sempre a tentação de «inventar» e «romanciar».
(Texto retirado de Egon Schiele-Obras em Papel de Serge Sabarsky-Edição da Culturgest)

ARTE ERÓTICA

O obsceno
As peças eróticas constituem um núcleo importante na obra de Schiele.Trata-se de quadros a aguarela ou guache,onde o artista vai mais além do simples tema do nu para representar,de forma unívoca e por vezes crua,os sexos feminino ou masculino,ou então uma prática sexual determinada.O quadro “Observada a Sonhar(1911)" representa uma mulher nua deitada de pernas abertas, com meias calçadas,e oferecendo os grandes lábios do seu sexo pintados de um cor de laranja vivo.Esta foma de representar a masturbação tem uma longa tradição na arte erótica.
No entanto,é obvio que a dedicação de Schiele a motivos eróticos também estava ligada a necessidades económicas.Os desenhos eróticos eram comercializados num mercado de arte paralelo e frequentemente encomendados directamente ao pintor.Era impensável expô-los,pois eram considerados obscenos,colidindo com as regras da moral e bons costumes.No processo que foi levantado contra Schiele em 1912,o pintor foi condenado pela exposição de arte erótica num espaço público.

O tabu do onanismo
O auto-retrato de Schiele em que aparece a masturbar-se documenta a sua desinibição sexual.No quadro “Eros” apresenta o tema da sua própria sexualidade.Ao contrário das representações da masturbação feminina,o pintor analisa à frente do espelho as suas próprias reacções emocionais.Trata aqui o tema de uma prática sexual na altura proibida e apenas realizada às escondidas.Ao mesmo tempo,liberta-se de uma tradição iconográfica («porngráfica») que representava quase exclusivamente os genitais femininos com os pêlos púbicos e a mulher a masturbar-se.Pode-se ter uma ideia da provocação que constituía o”Eros” de Schiele numa época em que onanismo era-e continuou a ser durante algum tempo ainda-perseguido no plano médico,psicológico e jurídico.A masturbação era um tabu absoluto.Na viragem do século havia uma verdadeira «fixação onanica»,já que se encaraca a masturbação como responsável por doenças mentais e perturbações diversas.Os médicos chegavam mesmo a submeter os seus pacientes a brutais mutilações dos órgãos genitais.
Os inavadores estudos de Freud sobre a sexualidade vieram retirar fundamento a estas bárbaras práticas.

O nu erótico
O que é um nu em arte?E o que o torna em erótico?
O crítico de arte britânico John Berger dá uma resposta interessante a estas perguntas.Explica que o nu se reporta sempre á sexualidade vivida .Estar nu significa mostra-se tal como se é.Na representação do nu,o,o retratado é visto pelos outros mas não enquanto indivíduo.Para se tornar um nu artístico,o corpo nu tem de ser visto como um objecto.A nudez desvela-se a si mesma,enquanto o nu artístico exibe-se.Se um ser humano é representado nu,a sua nudez é uma espécie de traje.É por isso que o nu artístico é uma forma de representação de vestuário.Os nus de Schiele mostram o corpo enquanto objecto,e como tal inscrevem-se ainda na tradição desta forma pictórica.O que é novo,em contrpartida,é o exibicionismo do sexo.
Nas representações oficiais de nus do século XIX era impensável reprodusir os pêlos púbicos e a vulva.Na fotografia erótica artística retocavam-se as características sexuais primárias para dissimulá-las,ou então vestiam-se os modelos com “maillots” cor de pele de corpo inteiro que imitavam a superfície das estátuas da Antiguidade.Estes nus estimulavam as fantasias dos observadores sem,todavia,consederem ao retratado uma sexualidade activa.Schiele afastou-se radicalmente deste esquema ao eleger como objecto da sua arte o corpo dotado de uma sexualidade activa.Exibia os seus modelos em posições possíveis (e impossíveis),para orientar o olhar para o centro erótico do quadro.
O nu tradicional da pintura de salão do século XIX é moderadamente erótico,pois é marcado por uma nudez pudica.Schiele ultrapassa a convenção.Os seus nus são «impúdicos»,exibindo os órgãos genitais e os pêlos púbicos,e nomeando a sexualidade com toda a crueza.
(Texto retirado da edição portuguesa de 2001 da Könemann Verlagsgesellschaft Schiele.Leben und Werk) mbh-Egon

Link: http://www.egonschiele.net/

Olivia de Berardinis

2008-02-16T15:25:00.006Z

Olivia nasceu na Califórnia em 1948 e morou em várias cidades americanas na sua infância।O seu pai era enginheiro de aeronáutica e a família mudava-se constantemente de cidade para cidade।Jovem e filha única,passava grande parte do tempo entre adultos,pois não tinha tempo suficiente para criar vínculos de amizade.O seu passatempo preferido era desenhar a mãe.Em 1967 e com 19 anos,entrou para a Escola de Artes Visuais de Nova York.Obrigada a pintar comercialmente para sobreviver,realizou alguns trabalhos para reviatas masculinas.Em 1975 casou com Joel Beren e montou uma pequena editora,onde publicava o seu material.O seu trabalho artístico ficou reconhecido em 1987 com uma exposição numa galeria de Los Angeles.Dai em diante,tudo o que lançava atraía a atenção de fãns de todo o mundo. A arte de Olívia de Berardinis é provocante e extremamente sensual.Ela trabalha com técnicas variadas explorando os diferentes lados da sexualidade feminina.Criando a partir de pinturas sobre fotografias e tendo como modelos “playmates” como Pamela Anderson e actrizes de “Trash Movies”como Julie Strain,as suas obras chamam a atenção pela beleza plástica.Da poesia de fotos sépia à agressividade sadomasoquista, Olivia abusa de acessórios como plumas, couro, transparências, véus, bonecas, flores, botas e chapéus para criar uma composição Glamour às suas obras। Além de quadros, Olivia tem séries de trading cards, calendários, livros, posters e já fez capas para a conceituada revista de comics Heavy Metal.

Texto:Roberto Borges

Links:

Olivia De Berardinis-

The Art of Olivia

Jean-Michel Basquiat

2008-02-16T02:16:00.006Z

Jean-Michel Basquiat nasceu em 22 de Dezembro de 1960 em Brooklyn, Nova Iorque e morreu em 12 de Agosto de 1988. O seu pai, Gerard Basquiat nasceu em Port-au-Prince, no Haiti, e a sua mãe nasceu em Brooklyn de pais Porto Ricanhos.
Foi o primeiro artista de grafites, ligado às suas obras está o neo-expressionismo.
Revelando a sua aptidão, desde muito cedo, para o desenho, pintura, é impulsionado pela sua mãe a participar em actividades relacionadas com arte.
Aos 17 anos, em 1977, Basquiat e o seu amigo, Al Diaz, começaram a fazer grafites em prédios abandonados de Manhattan, "Samo" ou "Samo shit"( a mesma merda de sempre), era a assinatura deixada nas paredes, o que gerou curiosidade e interesse das pessoas.
Em 1978 o projecto "Samo" acabou, surgiu nas paredes o escrito "Samo is dead".
Basquiat, em 1978, abandonou a escola e saiu de casa. A sobrevivência deste artista ficou à da venda de camisolas e postais na rua. Alcançou nessa altura um determinado grau de celebridade, pois também entrou em programas televisos.
Posteriormente, Basquiat formou uma banda, designada Gray, com o Vicent Gallo, então cantor e actor da época. Tocaram em clubes e participaram no filme "New Iorque Beat Movie".
Todavia, é de salientar que foi em Junho de 1980 que ganhou uma maior popularidade proporcionada pela sua participação no “The Times Square Show”, exposição constituída por vários artistas, cujo seu patrocínio estava a cargo de uma instituição intitulada “Colab”.
Rene Richard, poeta e crítico de arte, em 1981, publicou um artigo sobre o artista, com o título "The Radiant Child" in Artforum, o que impulsionou o seu reconhecimento a nível internacional.
Nos anos posteriores, Basquiat expôs as suas obras ao lado de artistas como Keith Haring e Barbara Kruger, artistas de Nova de Iorque. Contudo, é de referir que com a colaboração de galeristas famosos realizou exposições de âmbito internacional.
As suas obras expunham imagens de rua, da cultura negra e da televisão.
Em 1984, Basquiat enveredou pelo caminho das drogas, pois tornou-se viciado em heroína. É porém nesta época, que devido ao seu estado, os negociantes de artes levavam as suas obras inacabadas e venderam a um preço exorbitante.
Em 1988, Basquiat morreu de overdose de drogas, com apenas 27 anos.
Foi realizado um filme, em 1996, chamado “Basquiat”, baseada na vida do artista, realizado por Julian Schnabel e com a participação de Jeffrey Wright, no papel de Basquiat, de Michael Wincott e de Benicio Del Toro.

Texto:Anabela Ribeiro

Gustav Klimt

2008-01-29T00:53:00.000Z

Klimt foi o principal representante do movimento Arte Nova de Viena e um dos pintores decorativos mais importantes do século xx.
A sua pintura,que acentuava radicalmente a superfície espacial,não só constitui uma síntese original e surpreendente de impressionismo e simbolismo,mas também é uma importante precursora da arte abstrata.Klimt estudou na Escola de Artes Decorativas e aprendeu com os mais importantes representantes da pintura decrorativa de Viena.
Em 1894,afastou-se da tradição académica e tornou-se o porta-voz da jovem geração de artistas que a ela se opunham.Foi eleito presidente da Secessão Vienense.
Os frescos executados para o “hall” da Universidade Nova de Viena,apresentados ao público em 1900,geraram grande controvérsia devido à sua carga erótica.
A obra de Klimt polarizava e provocava escândalos.As classes dirigentes recusavam os seus quadros,enquanto os jovens intelectuais
Os recebiam com entusiasmo.
A marca da pintura de Klimt é um estilo inovador,ornamental e decorativo,que funde pormenores representados de forma realista,como mãos e rostos,padrões espaciais abstratos e em forma de mosaico.O modelo gemétrico domina o quadro e apenas ocasionalmente revela os pormenores individuais do corpo.Os motivos diversas vezes prateados ou dourados (superfície) e os pormenores corporais erótico-sensoriais (forma) constituem um forte contraste e aumentam,deste modo o efeito do quadro.A pintura de Klimt fez dele o retratista mais desejado da Viena mundana,tornando-se modelar para jovens pintores como Óscar Kokoscha e Egon Schiele.Contudo,com o seu estilo decorativo carregado de arabescos,Klimt não é verdadeiramente «moderno»,mas sim um representante da estética “fin de siécle”.
Klimt ficou famoso como pintor de mulheres belas e os seus casos com diversas modelos alimentavam as conversas da cidade.Existem numerosos retratos de damas da «nobreza financeira» de Viena e preservaram-se vários milhares de desenhos eróticos,invulgares pela abordagem tão directa do tema.
Durante muito tempo acreditou-se que Klimt procurava as suas modelos nas classes mais baixas e que com elas mantinha relações sexuais,ao passo que a ligação com a sua companheira Emilie Flöge,filha de uma abastada família,seria apenas platónica.
O lacónico pintor sentia-se fascinado pelo enigma do erotismo carnal feminino.Poucos pintores da sua época reptesentaram tão bem a “femme fatale”.Oseu ideal feminino caracteriza-se por uma acentuada dimenção erótica e sensual.

Dados Biográficos

14 de Julho de 1862-Klimt nasce em Baumgarten,nos arredores de Viena.É o filho mais velho de um ourives e da sua esposa.

1876-1882-Estuda na Escola de Artes Decorativas de Viena.

1879-Colabora com o pintor Hans Makart(1840-1884)

1890-Funda com seu irmão Ernst e com Franz Matsch um atelier de decoração mural,a Companhia dos Artistas.

1890-A Companhia dos Artistas decora a escadaria do Kunsthistorisches Museum(Museu de História de Arte de Viena).

1894-Viragem para um novo estilo plano,ornamental e decorativo.

1897-Fundação da Associação das Artes Plásticas da Áustria,conhecida como Secessão Vienense.Klimt torna-se o seu primeiro presidente.

1900-Conclusão dos projectos de frescos para a Universidade Nova de Viena,que foi recusado.

1902-Recusa do seu Friso de Beethoven,que havia pintado para enquadrar,em três paredes do edifício da Secessão,a escultura de Beethoven feita por Max Klinger.

1905-Viagem a Ravena.Os mosaicos da antiguidade cristã impressionam Klimt;esta influência vai-se reflectir no seu período dourado.

1905-Sai de Scessão em desacordo com as exposições ali realizadas.

1909-Na Segunda Kunstschau(Exposição de Arte),Egon Schiele e Óscar Kokoscha exibem as suas obras.Klimt é pela primeira vez o organizador da exposição.

1910-Participação na Bienal de Viena.

1911-Esboço do friso ornamental para o Palais Stoclet em Bruxelas.

1917-É recusada a nomeação de Klimt como professor da Academia de Belas-Artes de Viena.Torna-se membro honorário das Academias de Viena e Munique.

1918-Adoece com a gripe espanhola e morre a 6 de Fevereiro.

(Texto retirado da edição portuguêsa de 2001 da Könemann Verlagsgesellschaft mbh-Egon Schiele.Leben und werk)

Links:

iKlimt - The Life and Work of Gustav Klimt

The Klimt Collection-

Tamara de Lempicka

2008-01-27T15:13:00.000Z

Tamara de Lempicka nasceu em 1898 na Polónia, com o nome de nascimento Maria Górska, foi uma pintora da Art Déco polaca.
Em 1916 casou com um milionário russo, o aristocrata Tadeusz Lempicki.
Em 1917 a Rússia atravessou uma Revolução, na qual o seu marido foi preso. Todavia, mediante a intervenção de Tamara foi libertado. Contudo, após esta situação o casal decide mudar-se para Paris, onde Tamara passou a adoptar o seu nome artístico.
A dedicação ao estudo da pintura por Tamara foi iniciada por intermédio de André Lhote e Maurice Denis, a sua progressão neste âmbito atingiu uma proporção muito rápida traduzindo-se na exposição do seu trabalho em diversas galerias importantes. A sua obra assentou nas ideias de modernismo de vanguarda da Art Déco, onde realça um estilo único e ousado.
Notável figura da boémia parisiense nos anos loucos 20, conquistou fama e fortuna.
“Para aqueles que, como eu, vivem à margem da sociedade, as regras habituais não têm qualquer valor”, esta frase define a postura polémica e escandalosa assumida pela Tamara à época. Na década de 1920 manteve ligação a mulheres lésbicas e bissexuais e homens da alta sociedade, nesse círculo teve inúmeras relações e também envolvimento com o vício da cocaína.
As obras de Tamara são reflexo dela própria, ou seja, as personagens expostas retrataram emoções e sentimentos de forma crua e fria, extravagância e sensualidade.
A vida ociosa e polémica pôs fim ao seu casamento, Tamara entrou numa profunda crise. Porém, anos depois voltou a casar com o alemão, Barao Kuffner.
No início da 2ª Guerra Mundial emigraram para os EUA, onde se tornou reconhecida como pintora famosa Baronesa Tamara de Lempicka-Kuffner.
Lempicka morre em 1980, durante o sono, as suas cinzas foram transportadas num helicóptero e espalhadas por cima do vulcão Pepocatépeti no México,desejo que foi pedido à sua filha Kizette.

Texto:Anabela Ribeiro

Links:

Tamara De Lempicka

The Tamara de Lempicka Gallery

Roberto Borges

2007-12-19T00:57:00.000Z

Roberto Borges nasceu em 1963 em Caála-Angola.Estudou na Escola de Artes Decorativas de António Arroio no curso de Imagem (cinema e fotografia) e Desenho (1987-1990) e na Sociedade Nacional de Belas Artes no curso de Desenho (1992-1996),curso de Iniciação à Teoria da Cor(2006-2007).Actualmente está inscrito na NextArt onde frequenta o curso de Desenho do Corpo Humano.O seu trabalho como artista centra-se no uso do desenho,pintura,fotografia e arte digital.

Links:

http://www.i-llustrators.com/
http://flickr.com/photos/venusoxidada/

Fiona Banner

2007-12-19T00:30:00.000Z

Fiona Banner nasceu em 1966 em Merseyside na Grã Bretanha.Estudou no Kingstone Pollitecnic e depois no Goldsmiths College (1991-1993).O mais conhecido da sua obra são as chamadas “still films”,nas quais explora as possibilidades e limites da linguagem.Desde 1994 elabora textos manuscritos ou impressos nos quais descreve películas ou cenários com as suas próprias palavras com uma grande meticulosidade.Em 1996 participou na importante mostra “Spellbound” da Hayward Gallery,dedicada aos cruzamentos entre a arte e o cinema.Ali mostra o seu livro “The Nam” no qual narra seis filmes comerciais em torno da guerra do Vietnam.Em 2000 começa a investigar o cinema pornográfico e aborda o tema da sexualidade em obras como “Arsewoman in Wonderland”,quaquer coisa como “Anal-Lice no País das Maravilhas”,que é uma visão muito particular das aventuras de Alice.Em 1998 realizou uma série de esculturas que representam pontos-sinais de pontuação-de tamanho monumental,com a intenção de “pontuar” o espaço da galeria em forma de texto.Entre as suas exposições cabe mencionar as individuais da Hayward Gallery (2001) e “Your plinth is my lap” da Neuer Archener Kunstverein,Alemanha (2002).Foi nominada para o Turner Prize em 2002.

Texto:Roberto Borges

Links:

Fiona Banner

Frith Street Gallery: artists

Marlene Dumas

2007-12-16T20:27:00.000Z

Marlene Dumas nasceu em 3 de A gosto de 1953 na Cidade do Cabo-Africa do Sul.Estudou na uiversidade da Cidade do Cabo entre 1972 e 1975 emigrando depois para a Holanda.Actualmente vive em Amsterdão.
É uma artista que combina elementos do expressionismo com arte conceptual em aguarelas e óleo sobre tela.
O objectivo do seu trabalho consiste em mostrar a relação que existe entre a arte,modelos femininos e até pornografia.O ponto de partida para o seu trabalho são as fotografias Polaroid dos seus amigos e amantes,muito embora faça referencias a revistas e material pornográfico.Marlene Dumas também pinta retratos de crianças e cenas eróticas de impacto na arte contemporânea.

Texto:Roberto Borges

Links:

Marlene Dumas words and images postmedia-

Frith Street Gallery: Marlene Dumas

Eu pinto porque sou mlher.
(É uma necessidade lógica.)
Se pintar é feminino e insanidade um mal feminino,então todas as pintoras são loucas e todos os pintores são mulheres.
Eu pinto porque sou loira artificial.
(As morenas não têm desculpa.)
Se toda a boa pintura é acerca da côr,então a má pintura é acerca de ter a cor errada.
Mas as coisas más podem ser boas desculpas.
Como Sharon Stone disse:
“Ser loira é uma boa desculpa.Quando se está a ter um mau dia sempre se pode dizer,não posso fazer nada,estou apenas a sentir-me muito loira hoje”.
Eu pinto porque sou uma rapariga da província
(Raparigas inteligentes e talentosas das grandes cidades não pintam.)
Eu nasci numa fazenda de vinho na África do Sul.
Quando era pequena desenhava raparigas de bikini para hóspedes masculinos,nos seus maços de cigarros.
Agora sou mãe e vivo noutro lugar que me faz lembrar muito uma fazenda.
Amsterdão.
(É um bom lugar para pintores.)Tenho pensado nisso e ocupo muito tempo com esse tipo de imagens e imaginação.
Eu pinto porque sou uma mulher religiosa.
(Eu acredito na eternidade.)
A pintura não congela o tempo.Ela circula e recicla o tempo como uma roda que gira.
Aqueles que foram os primeiros,podem muito bem ser os últimos.
Pintar é uma arte muito lenta. Ela não viaja à velocidade da luz.
É por isso que pintores mortos continuam a brilhar tão intensamente.
Não faz mal ser o segundo sexo.
Não faz mal ser a segunda melhor.
Pintar não é uma actividade progressiva.

Marlene Dumas